Mode de fonctionnement

📁 RACINE_DEMARCHE_ARTISTIQUE/
├── 📂 – 01 – Données, Tableau & référentiels
├── 📂 – 02 – Pictogrammes (Logo, Isotypes)
├── 📂 – 03 – Diagrammes (Plans, cartes, topologies)
├── 📂 – 04 – Codes (www)
├── 📂 – 05 – Prototypes (3D)
├── 📂 – 06 – Objets (P)

L’atelier

L’atelier, au sens étymologique et dans une acception élargie, peut être rapproché de la notion de « stèle », entendue comme une surface d’inscription : un support où viennent se déposer des traces, des gestes, des formes lorsque je coupe du bois, assemble du fer ou manipule de la terre. Il ne se réduit pas à un simple lieu de production, mais devient un espace de mémoire et de transformation, où chaque intervention laisse une empreinte et reconfigure le lieu pour une future production.

Comme la stèle, qui conserve et rend visible ce qui a été, l’atelier accueille les processus, les essais, les hésitations, mais aussi les rebuts. Il est un lieu où s’inscrit le travail dans sa durée, où les gestes s’accumulent, se corrigent, se reprennent. Il matérialise une pensée en train de se faire, dans une dynamique ouverte et non linéaire.

Ainsi envisagé, l’atelier est moins un espace clos qu’un champ d’expérimentation, un support vivant où s’articulent pratique et réflexion d’un lieu vivant. Il permet de donner forme à des idées tout en conservant la trace de leur élaboration, dans une continuité entre faire, observer et comprendre.

L’oeuvre : la Machine comme Dispositif

Au croisement de l’informatique, de la psychologie, du travail social et de la pédagogie, ma pratique ne s’articule pas autour du simple objet esthétique, mais s’incarne dans un système global de production et de pensée : une machine vivante .

Définit sous le terme de dispositif — cet ensemble hétérogène comprenant discours, institutions, aménagements architecturaux, décisions réglementaires et structures logiques —, ma machine artistique représente un réseau de relations dynamiques. Elle reconfigure le réel, oriente les gestes et donne forme à ce qui, autrement, demeurerait de l’ordre de l’informe ou du refoulé.

Cette machine matérielle et numérique est une prothèse cognitive et relationnelle. Elle me permet de lier la matérialité physique (le carton, les engrenages, les bandes imprimées) à l’immatérialité logique (le code, les bases de données, l’architecture informatique).

Ma démarche s’articule autour de la transformation des flux d’informations et des abstractions numériques en objets tangibles et visuels. À travers un processus rigoureux en 6 étapes clé, j’explore le passage de l’intangible au matériel.

Épistémologie du Processus :

Du Flux de Pensée à l’Inscripteur Physique

Mon travail s’inscrit dans une épistémologie de l’engendrement, inspirée notamment de la psychanalyse de la création de Didier Anzieu (Le Corps de l’œuvre) et de la théorie des enveloppes psychiques de René Kaës.

• Le Corps de l’œuvre (Anzieu) : Le travail créateur traverse différentes phases : la saisie d’une idée brute, son élaboration au sein d’un « Moi-peau » créatif, puis sa restitution sous forme de traces organisées. La machine est cet organe transitoire qui externalise les mouvements de l’appareil psychique.
• L’Interpsychique et le Lien (Kaës) : Ancré dans le social et l’enseignement, mon processus intègre le cadre institutionnel et la relation à l’autre. La machine enregistre, canalise et retransmet le lien intersubjectif.

Le nutriment : architecture du Dispositif :

Du Numérique à l’Objet

L’organisation logique de mon disque dur — matrice travaillée depuis plusieurs années — reflète scrupuleusement la trajectoire de matérialisation du processus créatif. Chaque dossier n’est pas un simple conteneur, mais un maillon dynamique du mécanisme de transformation.

En m’inspirant de la poétique perecquienne du « trier / classer », le dispositif saisit le fragment brut à son état numérique le plus élémentaire pour l’acheminer, étape par étape, vers sa forme matérielle et incarnée.

La transformation du matériau brut :

Spécialiste de la médiation artistique et du processus créatif, j’analyse comment les formes et les dispositifs permettent la transformation des états psychiques et des objets bruts en représentations symboliques. Selon sa lecture, la création nécessite un travail de médiation où le « matériau brut » (ici, la donnée empirique, statistique ou textuelle) doit subir une première déconstruction-reconstruction pour devenir traitable par l’imaginaire.

En saisissant la donnée dans un tableur, l’artiste opère un travail de cadrage et de transformation. La grille Excel devient le cadre spatiotemporel à l’intérieur duquel la donnée perd son statut d’information passive pour acquérir une valeur esthétique et potentielle. Ce n’est pas une comptabilité froide, mais un geste de saisie symbolique : choisir ce que l’on retient, inventer des critères de tri, c’est déjà façonner la matière première d’une mythologie personnelle ou politique.

3. Cartographie & Spatialisation (03 - Diagrammes (Plans, cartes, topologies))

• L’Organisation Spatiale : Structuration des relations entre les données et les symboles.
• Objectif : Concevoir des topologies, des plans de masse, des cartes conceptuelles ou des schémas de flux pour matérialiser les connexions et la circulation de l’information.

4. Algorithme & Interactivité (04 - Codes (www))

• La Dynamique Numérique : Écriture des règles du jeu, programmation web et génération procédurale.
• Objectif : Donner de la vie aux concepts par le code, créer de l’interactivité ou des comportements génératifs qui régiront la forme finale.

5. Modélisation Spatiale (05 - Prototypes (3D))

• La Simulation Volumique : Passage de la surface 2D ou du code abstrait au volume virtuel.
• Objectif : Prototyper les formes dans un espace 3D, tester les échelles, les textures, les tensions et préparer le passage à la fabrication matérielle.

6. Incarnation Plastique (06 - Objets (P))

• La Matérialisation Finale : Réalisation physique, fabrication numérique, impression, assemblage ou sculpture.
• Objectif : Inscrire définitivement l’idée dans le monde sensible sous la forme d’œuvres ou d’objets finis à expérimenter dans le réel.

📖 Prolongement : Médiation & Archivage (07 - Book - Édition et Visualisation)

Pour conclure et faire rayonner ce parcours en 6 étapes, cette phase finale rassemble les épreuves, la documentation, la photographie d’art et l’édition du book. Elle permet de conserver la mémoire du processus et d’exposer la démarche au public.Mon travail d’artiste a été abandonné — du moins dans sa forme initiale. Devenu artisan, puis paysan, je m’inscris désormais dans un rapport au sol, à la fois concret et symbolique, à la croisée des pratiques et des territoires. Nourri par la culture et par l’art, envisagés comme des nutriments essentiels — une alimentation continue, presque de première nécessité —, ma curiosité se déploie dans l’exploration et se matérialise dans l’espace de mon atelier, lequel n’a cessé de muter au fil du temps.

Mes axes de recherche — la mobilité (entendue comme une forme de sérendipité), l’art comme processus, et le monde de l’objet — trouvent un écho particulier dans la réflexion de Didier Anzieu sur le processus créateur. Pour Anzieu, la création ne relève pas d’un geste linéaire ou maîtrisé, mais d’un travail psychique traversé par des phases d’émergence, de crise, de transformation et de reprise. Elle engage le sujet dans un rapport sensible à la matière, où l’œuvre se constitue comme une enveloppe — un « Moi-peau » — venant contenir, organiser et donner forme à des éprouvés internes.

Dans cette perspective, l’atelier peut être pensé comme l’extension matérielle de ce processus psychique : un espace contenant, où les fragments, les tentatives et les accidents trouvent à se déposer. La mobilité que je revendique — faite de déplacements, de détours et de découvertes inattendues — rejoint cette logique de la création comme errance structurante. De même, l’attention portée aux objets, à leur transformation et à leur réemploi, s’inscrit dans une dynamique où le sens émerge progressivement, au contact de la matière et du geste.

Loin d’une production finalisée et fermée, mon travail s’inscrit ainsi dans une continuité de processus, où l’atelier devient à la fois lieu, support et opérateur de pensée — un espace où se tisse, à travers l’expérience, une forme de connaissance incarnée.

Ma sérendipité

Mon parcours, bien qu’éloigné de mes formations initiales en écoles d’art, est ici revendiqué comme une expérience féconde à la recherche du lien et de la rencontre à autrui. Il a contribué à redéfinir ce que peut être une libre expression, d’assoir mon asise narcissique au regard de ma sensibilité et de mon rapport quotidien au traitement de l’information.

Cet apprentissage a avant tout éveillé ma curiosité et affiné mon processus de symbolisation ma définition personnelle de la culture, entendue dans son sens premier : celui d’un processus de transformation et d’attention au monde.

Dans cette perspective, Jean-Jacques Rousseau constitue un point d’entrée significatif. En amont même de son œuvre, son parcours — de la Suisse alémanique au Rhône, en passant par les Alpes — vient se superposer au mien : une naissance dans les Alpes, des études à proximité de ce même lac, puis des déplacements, des marches, jusqu’à mon ancrage actuel à Lyon. Les paysages qu’il décrit, ses récits de promenade, son goût pour les plantes, ainsi que ses interrogations sur la religion, le politique et l’éducation, dessinent autant de territoires qui m’ont permis d’entrer, modestement, dans le champ de la littérature et de la philosophie.

C’est d’ailleurs au lycée, face à ce lac, vue sur Lausanne, qu’un enseignant de français nous interrogea sur ce que nous avions retenu de son œuvre. La veille, avec une certaine ironie, un camarade d’internat m’avait ressorti le même cours que l’année précédente et m’avait montré un schéma que le professeur avait dessiné à la craie sur le tableau noir : il y représentait Rousseau allant d’un point A à un point B, mais en déambulant, selon une trajectoire non linéaire.

En ressortant ce schéma en classe, non sans une forme de fierté un peu feinte, je tentais de dissimuler le fait que je n’avais pas lu l’ouvrage. C’est pourtant ainsi, de manière détournée, que je découvris Rousseau — comme une première énigme.

Cette attention aux processus peut être lue à travers le modèle du « corps de l’œuvre » de Didier Anzieu. L’artiste transforme l’éprouvé en formes partageables, ses dispositifs opérant comme des enveloppes contenantes. Les œuvres apparaissent comme des espaces d’activation, ouvertes à l’interaction et à la circulation, dans la continuité du Net Art, à l’instar de Claude Closky ou Nicolas Frespech.

L’art comme processus : Machine wich seem to think

Dans une perspective post-humaniste et cybernétique, Donna Haraway¹ éclaire cette démarche. Son travail invite à penser les hybridations entre humains, machines et systèmes, où le geste artistique devient une articulation située entre technique, social et imaginaire.

L’art comme épiphanie du fragment

Puis je vais ensuite rebondir très largement beaucoup plus tard avec mes débuts aux beaux-arts de Lyon ou je découvris deux auteurs en philosophie : le premier coup de coeur est sans aucun doute Walter benjamin et son livreSens Unique. C’est probablement à cette période que je me suis réellement mis à lire. Je me suis senti absorber par l’ouvrage.

Puis c’est au tour de Gilles Deleuze de venir s’introduire dans ma pensée

À travers le ready-made, il opère un déplacement décisif : l’œuvre ne réside plus uniquement dans sa fabrication, mais dans le geste de sélection, de nomination et de mise en contexte. Cette approche entre en résonance avec ma pratique et plus précisément dans la dimension de la performativité et le signe. , qui interroge aujourd’hui la réception et la production contemporaines des flux d’images et de données, en conférant à l’ordinaire une puissance critique et symbolique renouvelée.

L’artiste n’est plus seulement un producteur d’objets, mais un opérateur au sein de réseaux complexes, traversé par des logiques d’interconnexion et de co-construction. C’est dans ce prolongement que les apports de Friedrich Kittler et de l’archéologie des médias viennent approfondir la réflexion. En mettant au jour les conditions techniques de production, de stockage et de transmission des discours, Kittler décentre l’attention de l’humain vers les dispositifs eux-mêmes. Les médias ne sont plus de simples supports neutres, mais des structures actives qui déterminent ce qui peut être dit, vu et pensé.

L’objet de l’art et la poésie

Ainsi, ma pratique peut être envisagée comme une forme d’archéologie située : elle explore les strates techniques et culturelles qui sous-tendent les flux contemporains, tout en révélant les infrastructures invisibles qui organisent notre rapport au réel. Le travail artistique devient alors une opération de mise en visibilité — non seulement des images et des objets, mais aussi des systèmes, des protocoles et des logiques computationnelles qui les produisent.

Dans cette perspective, l’ordinaire n’est plus un simple donné, mais un terrain d’investigation critique. Il s’agit d’en révéler les médiations, d’en perturber les évidences et d’en reconfigurer les usages, afin d’ouvrir des espaces de réflexion et d’expérience au sein même du quotidien.

L’influence de l’Oulipo, et de Georges Perec et Jacques Roubaud,
se manifeste dans l’usage de protocoles, partitions et contraintes comme matrices créatives. Les routines, gestes et détails du quotidien deviennent matière à structurer et transformer, entre code, écriture et exécution.

Accéder à la ressource

Bibliographie

1. Psychanalyse de la création et processus artistique

• Le corps de l’œuvre – Didier Anzieu
  → Ouvrage fondamental : la création est pensée comme prolongement du corps psychique, l’œuvre faisant fonction d’enveloppe de substitution en lien avec le Moi-peau.
• Le Moi-peau
  → Concept central pour comprendre la création comme fonction contenante et transformante des éprouvés corporels et psychiques.
• Sigmund Freud – Création littéraire et rêve éveillé
  → La création comme satisfaction substitutive du désir.
• Donald Winnicott – Jeu et réalité
  → Introduction de l’espace transitionnel, essentiel pour penser l’art comme aire intermédiaire entre réalité interne et externe.

2. Médiations thérapeutiques et clinique du processus

• Médiations thérapeutiques et psychose infantile – Anne Brun
  → Les médiations (dessin, peinture…) comme supports de symbolisation primaire, notamment dans les cliniques limites.
• Les médiations thérapeutiques
  → La médiation comme espace de transformation des traces sensorielles et affectives non symbolisées.
• René Roussillon – Le jeu et l’entre-je(u)
  → Le processus créatif comme travail de symbolisation à partir du sensoriel et de l’acte.

3. Groupe, institution et création

• Les théories psychanalytiques du groupe – René Kaës
  → L’acte créatif en groupe comme production intersubjective, soutenue par des formations psychiques partagées.
• Le groupe et l’inconscient
  → Notion d’enveloppe psychique groupale, particulièrement pertinente pour penser les ateliers artistiques institutionnels.

4. Art-thérapie et pratiques cliniques

Jean-Pierre Klein – L’art-thérapie
→ Approche clinique des dispositifs artistiques comme outils de soin et de transformation psychique.

• Edith Kramer – Art as Therapy with Children
  → Le processus créatif est en lui-même thérapeutique, indépendamment de toute interprétation.

5. Corps, sensorialité et figuratio

• La violence de l’interprétation – Piera Aulagnier
  → Concept de processus originaire et de pictogramme, éclairant la dimension pré-symbolique de la création.
• L’individuation à la lumière des notions de forme et d’information – Gilbert Simondon
  → Le processus créatif comme processus d’individuation, où la forme émerge d’un fond pré-individuel.

Axes de lecture transversaux

Cette bibliographie permet d’articuler plusieurs lignes fortes :

• L’œuvre comme enveloppe psychique (Anzieu)
• La médiation comme espace de symbolisation primaire (Brun, Roussillon)
• Le processus créatif comme aire transitionnelle (Winnicott)
• La création comme production intersubjective (Kaës)
• Le corps et le sensoriel comme origine de la forme (Aulagnier, Simondon)

1. La manifeste Cyborg – Donna Haraway ↩︎

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